Ayanama is a sprawling metropolis of glittering spires and shimmering iridescent textures. A city of a future that will never arrive, where silent transit systems glide smoothly past manicured public parks and towers that arc and twist towards the sun. They carry you as you look out the window at the shining city below, slipping beyond its borders – down to the old grey coastline and the deep green fields beyond it. Walking out, you sink into the long grass and look back at the city behind you.
マルティンスの作品が海外リスナーに広く知られるようになったのは、ニューエイジ再評価が進んだ2010年代以降のこと。しかし本人はそのジャンルで括られることを好まず、シンセサイザーを用いた創作においては「South Bound Music（南へ向かう音楽）」という理念を掲げていました。チベット仏教や東洋の瞑想音楽、宇宙へのイマジネーション、大西洋の豊かな自然。アフリカ西海岸の島国というごくローカルな地から、「人間と空の間にある垂直の宇宙」を見上げるように、普遍的な領域へと意識を開いていくスピリチュアルな音響表現を探求し続けました。本作「Island Of The Secret Sounds」は、「South Bound Music」シリーズの一環として1996年に発表されたアルバム。サン・ヴィセンテ島の砂浜や平原、丘陵、街を歩き巡り、そこに潜む「Secret Sounds（秘密の音）」に耳を澄ませ、シンセサイザーの音響へと変換させています。マルティンスの創作と自然との関係を追ったドキュメンタリー映画のタイトルにもなっていますが、その芸術思想が最も純粋な形で結実した作品の一つだと思います。
最近出会って愛聴している一枚。アートワークの雰囲気から2000年以降のインディポップ作品かなと思いましたが、そうではなく1990年リリース。英サウスロンドンを拠点に80年代初頭のポストパンク期から活動を続ける3人組ロックバンドThe Opposition（ジ・オポジション）の通算5作目。ポッププロジェクトSo名義の活動を経て、バンド再始動後初のアルバムなのだそうです。シングル向きの軽快なオープニングから、ギターカッティングが印象的な「Calling Home」、ミドルテンポの佳曲「Do You Know How That Feels」や「Her First Migraine」など、聴き込むほどに味わいを増すメロウな楽曲ばかり。80年代後期から90年代初頭にかけて成熟したAOR系ネオアコースティック・サウンドの魅力が詰まっていて、聴きどころが多い好盤ですが、The Bible「Eureka」やThe Big Dish「Creeping Up On Jesus」に通じる渋好みな作風ゆえ、当時のシーンでは商業的に苦戦したであろうことも容易に想像できます。リリースされたのは本国イギリスではなく、フランスとポーランド。このフランス盤は自主制作とみられます。
An album I recently discovered and have been enjoying quite a bit. Based on the vibe of the artwork, I thought it might be an indie pop release from the 2000s or later, but it was actually released in 1990. This is the fifth album by The Opposition, a three-piece rock band based in South London that has been active since the early ’80s post-punk era. Apparently, this was their first album after reviving the band following their activities under the pop project name “So.”
From the breezy, single-ready opener to “Calling Home” with its striking guitar cutting, and fine mid-tempo tracks like “Do You Know How That Feels” and “Her First Migraine,” the album is filled with mellow songs that reveal their depth the more you listen. While it is a fine record packed with the charm of the mature, AOR-inflected neo-acoustic sound of the late ’80s and early ’90s, it’s also easy to imagine that it struggled commercially at the time due to its understated, connoisseur-appealing style—reminiscent of The Bible’s Eureka and The Big Dish’s Creeping Up On Jesus. It was released not in their home country of the UK, but in France and Poland. This French pressing appears to be a self-released edition.
東京を拠点に活動するDJ/プロデューサーMax Essa（マックス・エッサ）が、デンマークの名門Music For Dreamsから発表したフルレングスアルバム。リリースから8年経った今も変わらず、折に触れては聴いている作品です。心地よいグルーヴを軸としたニューディスコ路線の前作「Won Ton Sunset」から趣を変え、本作は旅先で出会った静かな時間や風景を映し取るような内省的でパーソナルなリスニング・サウンドへ。後に和製アンビエント/チルアウトの編集盤「Oto No Wa: Selected Sounds of Japan 1988-2018」を共同監修するMax Essaですが、本作にもそうした環境音楽のエッセンスが随所に織り込まれ、とりわけInterior(s)の美学を現代的な視点でアップデートしたような佇まいが感じられます。アートワークはサンセットの光と影を抽象化したイメージでしょうか。ダンスとメディテーション、イージーとディープの穏やかな汀線。本作の延長線上にある「Miró In The Bathroom」とあわせて。
A full-length album by Tokyo-based DJ/producer Max Essa, released on the renowned Danish label Music For Dreams. Even now, eight years after its release, it remains a piece I find myself returning to from time to time.
Shifting away from the comfortable, groove-driven nu-disco approach of his previous work, Won Ton Sunset, this album turns toward an introspective, personal listening sound, reflecting the quiet moments and landscapes encountered on a journey. While Max Essa would later co-curate the Japanese ambient and chill-out compilation Oto No Wa: Selected Sounds of Japan 1988–2018, the essence of environmental music is woven throughout this work, creating a presence that feels like a contemporary update of Interior's aesthetics. The artwork seems to abstract the light and shadow of a sunset. A gentle shoreline between dance and meditation, the easy and the deep. To be enjoyed alongside "Miró In The Bathroom," which lies on the same continuum.
Published between 1996 and 2000, with editorial bases in Tokyo and San Francisco, Zavtone was a bilingual magazine covering digital culture, electronic music, future media, and the rapidly evolving rave scene. Released the year after the magazine ceased publication, this DVD became the first title in the Chillsphere series launched by its publisher, Newsbase.
Titled Flow, this ambient video work pairs Spectronics' ethereal slow-motion footage of fireworks with 5.1-channel surround sound by Buddhastick Transparent (Makoto Yamamoto and Takashi Fukuyama). Although the combination of ambient music and fireworks may seem slightly unexpected, the work may have been an attempt to connect the quiet sense of celebration and uplift associated with a time when "chill" meant more than simple relaxation to the extraordinary sensibilities of urban life, through its practicality as an interior video work.
The soundtrack consists of selections from Buddhastick Transparent's earlier albums, rearranged for 5.1-channel surround sound. To me, they remain enigmatic and almost anonymous—a singular presence that still evokes a quiet longing for the ambient music of that time.
Japanese Fireworks Camera Painting Of Spectronics (2001) ▲
品番：NODZ-00002
監督：General Idea Of Diplodocus 音楽：Buddhastick Transparent 撮影：Spectronics Thanks for Intelligence: Love Link, Artman, M.M.Delight, S.Ono, Starnet, Deepspace Time
A work titled “After the Rain.” Eli Wewentxu, with roots in the Mapuche indigenous people of south-central Chile, expands the violin into the sounds of a non-European landscape. Indrė Jurgelevičiūtė plays the kanklės, a traditional Lithuanian stringed instrument, carrying ancient songs into the present while collaborating in sessions with traditional musicians from around the world. Different in both cultural background and language, these two shared a musical dialogue in a single room in the summer of 2025, shortly after they first met.
The forceful rasp of the violin, evoking an unknown folk instrument; the moist arpeggios and chords of the kanklės; and the rustic, humorous rhythm of the txompe (mouth harp). Synchronizing their awareness and breath, their improvised ensemble moves forward in one direction like the gentle flow of a river. The natural resonance of each instrument is inviting, with a fresh sense of life breathing from every single note.
The cover art depicts a pudu—the world’s smallest deer—and an egret standing in a marshland. That landscape and the sounds overlap, shaping a small ecosystem unique to this work. Wonderful curation by Stroom.
舞台になったのは、緑に囲まれたザルツァウ城の池に設置されたインスタレーション「Salzau Music on the Water」。旧ソ連出身の現代美術家カバコフ夫妻とウラジミール・タラソフが手がけたこの作品は、浮島のように造られた木製のステージであり、その空間全体が水上に浮かぶ「巨大な楽譜」として設計されたもの。五線譜に見立てて張り巡らされたワイヤーには、無数の金属棒やカトラリーが音符のように吊り下げられ、風が吹くたびに揺れてランダムな音を奏でる仕掛けになっています。
... An instrumental CD of the rare instrument, Chinese Bells called "Hensho". Titled "Hensho Mizu-no Inori" (Bell and River's Prayer). Composer / performer Yukiko Hasegawa has written four pieces inspired by her fondness of the sound of the river. In this disc, Hasegawa plays the Chinese Bells in Honen-in Temple (Kyoto) and as a harmony has recorded the sound of water flowing from its source (Kamogawa River) until it meets with the Yodogawa River and enters into Osaka Bay - the juxtaposition of human and nature dance together in a sound scape of quiet beauty. The origin of Hensho dates back to ancient palace music. A Hensho was placed in a Chinese burial tomb 2400 years ago (400 B.C.). In Japan, only a handful of Hensho exist. ▲
St.GIGAアーカイヴ「Spacey night A」より。NYのレーベルBottom Line Recordsから1992年にリリースされたディープハウス・クラシック。作者はレーベル主宰の鍵盤奏者/プロデューサーEd The RedことEdward Goltsmanと、彼のパートナーNancy Kay Goltsman、カルト的な人気を誇るプロデューサーNelson "Paradise" Roman。跳ねるようなベースラインと夢心地なシンセのコード、そしてトライバルな混声チャントを織り交ぜたスピリチュアルでフローティングなトラック。日の入りから日の出までの「星の時」。セントギガのストリームの中でも特に高揚感のある満潮に向かう時間帯だと思います。
スウェーデン・ウプサラ出身、現在はニューヨークを拠点に活動するAdrian Knight（エイドリアン・ナイト）。本作「Damn the Flood」は、サンフランシスコ・ベイエリアの現代バレエカンパニーPost:Balletの委嘱により制作された作品で、2017年3月に同市の文化芸術センターSOMArtsにて、Robert Dekkers振付によるダンスパフォーマンスの一部として初演されました。単なるダンスの伴奏にとどまらず、音と身体が空間の中で対等に作用し合う、没入型の舞台芸術として構想。「流れる水の儚さと永続性」をモチーフに、ひとつの楽章に5つの異なる和声構造がシームレスに組み込まれ、Juno 6とRhodesの柔らかなドローン、ヴィブラフォンなどの生楽器の繊細な響きと電子音響の残響処理が溶け合うようにブレンドされています。多作かつ変幻自在な作家ゆえに、その全体像は掴みがたいところがありますが、本作だけを切り取ってみても、彼自身の美意識や緻密な構築力が静かな音像の奥からひしひしと伝わってくる。純度の高い音世界を堪能できる一作です。
He is a contemporary composer of post-minimalist scores, while also crafting a sort of faux-80s bedroom pop with delightfully limp vocals. There is a genuine commitment to both sides of his craft, leaving an impression of someone truly mysterious.
Adrian Knight is originally from Uppsala, Sweden, and is currently based in New York. This work, Damn the Flood, was commissioned by Post:Ballet, a contemporary ballet company based in the San Francisco Bay Area, and premiered in March 2017 at the city’s cultural and arts center, SOMArts, as part of a dance performance choreographed by Robert Dekkers. Conceived not merely as an accompaniment to dance, the piece was envisioned to create a space where sound and the body occupy the performance space as equals, resulting in an immersive performing art. Guided by the motif of "the fleeting nature of running water and the timeless," five distinct harmonic structures are seamlessly woven into a single movement, where the soft drones of a Juno 6 and Rhodes, the delicate resonance of acoustic instruments like the vibraphone, and electronic reverberations blend almost imperceptibly.
Given how prolific and versatile he is, his complete artistic vision can be elusive to grasp. Yet, even when listening to this work on its own, one can quietly feel his distinct aesthetic and meticulous sense of architecture breathing beneath the calm soundscape. It is a piece that invites you to gently savor an exquisitely crafted sonic world.
This is the second installment in the original CD series “cosmosSfera,” developed by the Kyoto-based product brand “Sfera” alongside Milan-based sound artist Gak Sato. While following the style of the previous release—where ambient sounds and acoustic instruments were constructed through a post-electronica lens—this album seems to seek new directions by welcoming Yuko Ikoma and Kosuke Shimizu from the chamber music unit mama! milk.
Recording took place at Hōnen-in, Fukuzō-in, and the Sfera Building in Kyoto. Based on materials from three days of sessions, the tracks were edited and reconstructed by Gak Sato. A diverse array of instruments and sound objects find their way into the mix, including a toy piano, kalimba, accordion, organetto (hand-cranked music box), Casiotone, double bass, clarinet, balafon, ryuteki, shō, and even sound hoses and wind chimes.
Amid the distinct presence and atmosphere of each location, fragments of sound drift quietly, repeating and pausing on a whim. The way these varied movements intersect, irregularly and amorphously, briefly brings to mind sound sculptures or automated musical instruments placed in public spaces; there is a sense as if the very sounds they generate, along with the surrounding environment, have been captured whole as a piece of work.
While many of the sonic elements lean Western, the sparse arrangement evokes something akin to a Japanese garden—a gentle, peculiar sound world where chance and order coexist in a curious balance. While the overall tone remains detached, one is left with a warm, quiet afterglow after the final track, “A (440Hz),” fades away.
当時最新鋭だったシンセサイザーKORG M1をはじめ、最小限のレンタル機材を自宅に持ち込んだプライベートな環境でレコーディング。彼らが傾倒していたBrian Wilsonの内省的な世界観や、The Blue Nileの静謐な都市感覚を手がかりに、インガムが緻密なシンセサイザーでサウンドの骨格を構築し、アーヴィンが独自の語り口で翳りを帯びたヴォーカルを重ねるスタイルで制作されています。壊れゆく関係性や孤独感を描いたPrefab Sprout風の男女デュエット「A Glass Room」。アトモスフェリックな音響に人生の省察を投影した「Song Of All Things」。Brian Wilsonの影を朴訥としたアレンジで表現した「You Don't Forget」ほか。いずれの楽曲も音数を抑え、余白を活かしたクワイエットなプロダクジョン。ヒュワディーンが共感したのも納得できる、UKスムースポップ〜ソフィスティポップの静かな地平を指し示すような秀作です。
Fluffは、北欧コペンハーゲンの名門Music for Dreamsを象徴するBlissの主要メンバーであるMarc-George Andersen（マーク・ジョージ・アンデルセン）とJan Winther（ヤン・ヴィンター）によるユニット。もう一つのFlipsideは、同じくBlissの核を担うKlaus Bau Jensen（クラウス・バウ・イェンセン）が、スウェーデン出身のギタリストSebastian Lilja（セバスチャン・リリャ）と組んだユニット。いずれもBlissの派生プロジェクトでありながら、ユニット名だけがさりげなく提示されているため、やや匿名的にも感じられます。しかしその背景には、イェンセンが共同設立したLoadstar RecordsやRealtime Studioを中心とするローカルコミュニティが存在し、身近なアーティスト同士が互いにリミックスを提供し、ゲストとして参加しあう、地に足の着いたクリエイティヴな関係が築かれていたようです。
ドイツ・ニュルンベルクを拠点とするベテランデュオBoozoo Bajou。キャリア25周年の節目に自主レーベルを立ち上げ、自らの原点を見つめ直した前作「Finistère」を経て、よりディープで内省的なアンビエント・サウンドへと踏み込んだ6thアルバム。具象的な風景描写から、存在の状態そのものへの関心の変化、そして本質へ向かう止観の境地。彼ら特有の渋みのある枯淡の世界観が、余剰を削ぎ落とした静謐で純度の高い表現へと昇華されています。Another Fine DayとRobin Guthrieが出会ったかのような穏やかなハイライト「Una Nuova Distessa」が殊に素晴らしく、聴くたびにじんわりと馴染んでくる一作です。
Deep atmospheric soundscapes have always been a part of Boozoo Bajou during their 27 years as producers. Each of their previous 5 albums had those almost beatless melancholic beauties as part of the musical presentation. Since this is a key element Peter Heider & Florian Seyberth aka Boozoo Bajou decided to dedicate a new six track album called „Aurelia“ to this genre of music which might be called Ambient but is rather a free flow through their musical minds. Based on a warm analog mix there are various instruments giving guidance to this journey even enriching the overall quality impression of the music which is provided by this new output from Boozoo Bajou. ▲
80年代イタリアン・エクスペリメンタルの地下水脈から現れた、モデナ出身の作曲家/マルチ奏者Marco Lucchi（マルコ・ルッキ）。初期の電子音楽をはじめ、イーノの生成音楽や武満徹作品の再解釈、Arvo PärtやSimon Jeffesへのオマージュ、東洋美学への傾倒を投影したピアノ・アンビエントに至るまで。自主レーベルStella Neraを拠点に、現在まで膨大な作品群を発表し続けています。本作は、ヘッセの遺作であり精神的到達点「ガラス玉演戯」を主題に、1997年に開催された水彩画展「Mostra degli acquerelli di Hermann Hesse」での朗読とダンス・パフォーマンスの付随音楽として構想されたコンポジションを収録。Lino Capra VaccinaやFrancesco Messinaらとも共鳴する、地中海特有の幽かなエキゾチシズムと迷宮めいたミニマリズム。「音楽と数学が統合された架空の遊戯」というヘッセの知的ヴィジョンを、中世的な静けさと夢想的アンサンブルで音像化した、彼のキャリアにおける名演のひとつです。
